SwampDiggers

Emocore et Rap : Intimes connexions

Jocelyn Anglemort & Young flex o' 1000 — 2017-11-20T08:51:50Z

Retour sur l'emocore, genre musical aujourd'hui plébiscité et samplé par toute une génération de nouveaux rappeurs. Article suivi d'un hommage à Lil Peep.

“If it was the '70s, I'd be a punk artist. I was just born into hip-hop."
Yung Lean

Cheveux teints, mitaines rayées, ceintures cloutées et tee-shirt façon Donnie Darko, voici les clichés qui représentent parfaitement l'âge d'or de l'emo. Pourtant, la naissance de ce mouvement remonte bien avant l'ère des Millenial loosers. Milieu des années 1980, en réponse à la violence montante du Punk-Hardcore à Washington, des groupes tels que Rites of Spring ou Dag Nasty décident d'adopter une approche beaucoup plus mélodieuse, avec un traitement des textes mélancolique et porté sur les sentiments de chacun. De là naquit l'emo - pour « emotional-hardcore » - sous-genre de la vague Post-Hardcore et petit fils dépressif de la scène Punk américaine.

A partir des années 1990, surfant sur le succès des groupes de Grunge et de Punk-Rock comme Nirvana, The Offspring ou encore Green Day, le mouvement connaît un regain de succès grâce à un traitement plus « grand public », très loin des caves moites et des chambres mansardées des groupes précédents. C'est à l'aube des années 2000 que la popularité de l'emo touche à son paroxysme. Avec Jimmy Eat World et My Chemical Romance, le genre trouve ses fers de lance et truste les B.O de la plupart des teens-movies de l'époque.

Bones

Illustration : Nina Melisart

Fin des années 2000, l'emo s'essouffle à force de se subdiviser. Ces enfants légitimes que sont le screamo et le metalcore tentent tant bien que mal d'en faire perdurer l'esprit en poussant au maximum ses codes idéologiques et, malheureusement, vestimentaires. Piercing au labret, cheveux lisses plaqués sur le visage, pantalons slims et paires de converse, les nouveaux emos s'inspirent davantage du metal pour repousser les limites de leurs gènes hardcore. Certains basculeront vers le Deathcore, digne héritier de la lignée, d'autres dans la dubstep (dont Sonny Moore, chanteur de From First To Last et débutant dans la musique électro sous le nom de Skrillex) pendant que les puristes tenteront de le maintenir en vie en renouant avec une approche old school et underground plus proche de ses racines.

L'emo perdure ensuite de manière confidentielle, émaillé par sa tentaculaire descendance et terrassé par la montée en force de la musique électronique et surtout d'un courant rap alternatif qui deviendra, au fil du temps, la référence en matière de catharsis lyricistique, autour d'artistes comme Bones ou Lil Ugly Mane par exemple.

Récemment encore, plusieurs jeunes rappeurs ont revendiqué l'emo en tant qu'influence majeure (Lil Peep et ses collègues de la Gothboiclique, Ghostemane ou $uicideboy$) en utilisant des samples issus de groupes tels que Hawthorne Heights, Underoath, Brand New ou encore Confide. Wicca Phase Springs Eternal est un des personnages clefs de cette rencontre entre rap et emo. Le co-fondateur de la GBC était un des créateurs du groupe de rock emo Tigers Jaw avant de rejoindre la scène rap underground. Mariant les dents en or et les riffs emocore, et accompagné de textes portés sur la mélancolie et l'autodestruction comme s'ils provenaient du journal intime d'un ado dépressif, cet emo-rap est taillé pour une génération perdue dans l'abondance d'informations matraquées par les médias du monde adulte, préférant se tapir derrière son écran plutôt que d'affronter la réalité en face, nourrie aux fantasmes du mythe du garçon populaire et de la cheerleader s'embrassant dans un 4x4 sur fond de Yellowcard.

Wicca Phase Springs Eternal

Illustration : Nina Melisart

Des artistes comme Xxxtentacion, Yung Lean ou Black Kray n'hésitent pas sortir des projets estampillés emo, mêlant culture trap à des sonorités pop punk larmoyantes, et participent par la même occasion à rafraîchir deux vagues usées jusqu'à la moelle, comme pour nous rappeler que même si son style musical est aujourd'hui désuet, l'état d'esprit du punk est toujours là, prêt à faire crier à l'injustice l'ado mal dans sa peau qui sommeille en nous. Young flex o' 1000

Sélection

Quand les rappeurs US s'aventurent dans les méandres du rock dépressif, ils en remontent quelques samples bien sentis :

Yung $hy – Call the cops (sur le sample Killswitch Engage – My Curse )

Yung $hy – Call the Cops

Sample : Killswitch Engage – My Curse

Lil Peep – Cry baby (sur le sample Brand New – The No Seatbelt Song )

Lil Peep – Cry Baby

Sample : Brand New – The No Seatbelt Song

Bones – Skeletonman (sur le sample IseeStars – Ten Thousand Feet In The Air )

Bones – Skeletonman

Sample : IseeStars – Ten Thousand Feet In The Air

Xxxtentacion ft. Killstation – Snow (sur le sample Nine Inch Nails – 13 Ghosts II )

Xxxtentacion ft. Killstation – Snow

Sample : Nine Inch Nails – 13 Ghosts II

Jayyeah (Cold Hart) – Black my eyes (sur le sample Hawthorne Heights – Ohio is for Lovers )

Jayyeah (Cold Hart) – Black my eyes

Sample : Hawthorne Heights – Ohio is for Lovers

Drew the Architect ft. Misogi – Blùrr (sur le sample Real Friends – Giving Up On You )

Drew the Architect ft. Misogi – Blùrr

Sample : Real Friends – Giving Up On You

Cold Hart - Cool Hat (sur le sample Emily – From First To Last )

Cold Hart - Cool Hat

Emily – From First To Last

Lil Peep – Sex [last nite] (sur le sample Underoath – When The Sun Sleeps )

Lil Peep – Sex [last nite]

Underoath – When The Sun Sleeps

Lil Peep

Illustration : Nina Melisart

Lil Peep, incandescent adolescent

Ndlr : Au moment de la rédaction de cet article, Lil Peep n'était pas encore mort, emporté le 16 novembre par une surdose de prescription drugs (à priori de faux Xanax coupés au fentanyl), 17 ans jour pour jour après DJ Screw.

A seulement 21 ans, Gustav Ahr était sans doute l'artiste le plus représentatif de cette scène emo coincée quelque part entre les Kids de Larry Clark et ceux du Elephant de Gus Van Sant. Avec les membres de son équipe, la Gothboiclique, il synthétisait ce rap voué à tuer l'ennui entre deux chagrins d'amour, et si possible sans sortir de cet état de neurasthénie avancé.

Avec son sens inné de la mélodie et ses penchants emo décomplexés, il laisse derrière lui une carrière déjà riche, certes loin d'être parfaite mais atteignant parfaitement son objectif : raconter les dérives et le spleen des adolescents issus de la middle class.

Si elle nous choque, la nouvelle de son décès ne nous surprend malheureusement pas. À l'instar d'un autre regretté, l'immense Chad Lamont Butler, la sur-dose de drogue occupait une telle présence dans l'œuvre de Peep qu'il nous aurait fallu porter des œillères pour ne pas voir le drame arriver, un jour ou l'autre.

Comme le racontait Jon Caramanica pour Times Magazine cet été : « [...] before the beginning of the interview, he'd pulled a Xanax out of a prescription bottle with the name scratched off and taken it. A half-hour later, he was in slow-motion, insisting, “I go as hard as I can when I'm anxiety-free" [...] », Peep ne faisait pas un secret de ses crises d'anxiété et de ses pulsions suicidaires, ni de son addiction aux tranquillisants et diverses drogues. Il assumait également ouvertement sa bisexualité et exprimait le dégout que lui inspirait le sexisme omniprésent dans l'industrie musicale.

Très proche de son public sur les réseaux sociaux il s'est ainsi fait rapidement, et sous les radars des grands médias musicaux, le porte parole d'une génération d'adolescents mal à l'aise avec les normes sociales et confrontés à la dépression, au suicide ou aux problèmes liés à leur identité sexuelle. Il n'y a qu'à voir le nombre impressionnant de témoignages sur les réseaux sociaux de fans déclarant que Lil Peep et sa musique les ont énormément aidé lors de passages difficiles.

“His music is therapy to many people.”
Nedarb Nagrom

Cette perte nous laisse, chez Swampdiggers, un sentiment amer. Celui de voir disparaitre un artiste que l'on a vu éclore avec curiosité tant il se démarquait des centaines d'artistes qui pullulent sur Soundcloud (par son look bien sûr, mais surtout par ses inspirations musicales et sa personnalité). Il serait une erreur de le considérer comme un rappeur, Peep avait toutes les qualités du chanteur sensible et maladroit, prompt à délivrer des interprétations catchy parfaites pour accompagner les rappeurs issus de l'underground.

Avec la perte de Lil Peep, et à l'image de celle de son idole Kurt Cobain, c'est peut-être toute une sous culture qui est mise à mal, celle portée par la Gothboiclique, défoncée aux médocs sur des samples de guitares. Dans le cas où les artistes dépressifs sont souvent une représentation exacerbée des angoisses des fans, leur perte symbolise la fin de tout espoir. Et si le public adolescent adore jouer à se faire peur, il a tendance à détester ces moments où la réalité rejoint la fiction. « I'ma die like a rockstar » rappait Danny Brown, autre accro aux pilules flirtant avec la ligne jaune. Aujourd'hui, il ne nous reste plus qu'à espérer, à minima, qu'une partie de ce public et des artistes dont Peep était proche voit dans ce drame une dernière et nécessaire mise en garde.
Jocelyn Anglemort & Dirt Noze

REP.

Illustrations : Nina Melisart

Stranger

Jocelyn Anglemort — 2017-11-15T08:21:00Z

Puni dans sa chambre pour avoir enchaîné les bêtises, Yung Lean se sert de son imagination pour poursuivre son chemin au bout du monde.

Comme Gucci Mane, Yung Lean est mort, Brian Jonesisé dans sa piscine à l'été 2016, laissant en guise d'épitaphe Warlord, un album conçu un pied au sanatorium, l'autre à la morgue, au terme d'une incroyable et tragique odyssée, ponctuée d'overdoses et autres drames - dont le décès de son manager dans d'affreuses circonstances (voir le superbe papier de Fader à ce sujet). Depuis, son clone fraîchement sorti de l'œuf a choisi, à raison, de quitter la poudreuse de Floride pour retrouver celle de sa Suède natale en quête d'une renaissance en tant qu'homme, mais également en tant qu'artiste.

Stranger était donc attendu pour découvrir enfin l'exacte composition de ce replicant (ndlr : pour rappel, celui de Gucci Mane est constitué à 90% de sucre et à 10% de cellules de Pascal le Grand frère). Après s'être brûlé les ailes sous les projecteurs de la hype, le Sad Boy donnait désormais l'image d'une authenticité retrouvée. Le voyage initiatique du combattant qui retourne au pays, l'esprit et le corps carbonisés. Débarrassé de son statut d'icône pop déglinguée, Lean annonçait vouloir découvrir d'autres horizons musicaux : album de folk intimiste, opéra rock transcendantal, black metal technoïde, tout était possible. L'entreprise était alors bien excitante.

Le résultat est aujourd'hui entre nos mains. Stranger, un nom qui par son double sens, à la fois "l'inconnu" et l'être "étrange", présageait du meilleur et nous laissait rêver à une version 3.0 d'un artiste qui, avouons-le, était allé au bout d'une recette déjà rudimentaire. Si son influence en tant que pionnier du soundcloud rap gelé aux antitussifs est indéniable, comment pourrait-il exister alors que ce qui le différenciait est aujourd'hui devenu la norme ? De Lil Peep à Travis Scott en passant par Smokepurpp et compagnie, nombreux sont ceux qui baignent dans un mélange d'autotune dégoulinant, d'esthétique emo et de références à la web culture. L'espace est saturé.

Comme on pouvait l'espérer, Yung Lean a bien choisi d'affronter ses démons sur ce disque, malheureusement, c'est plus pour signer un pacte de non-agression que pour leur flanquer la dérouillée de l'année. Dès lors, la déception apparaît rapidement puisqu'en lieu et place d'une attitude vengeresse et conquérante, on se retrouve finalement avec un projet « à l'eau tiède » pas si éloigné de son travail antérieur.
Ni brûlant comme un storvatt, ni glacial comme la Mer Baltique, Stranger cristallise les multiples facettes du rappeur avec son univers à la fois sympathique et effrayant, sans réels combats mais avec de nombreux compromis. Le non-flow sous influence Chief Keefienne est assumé, Lean et Sosa partageant également ce goût pour l'autarcie, unis autour d'un cercle fermé de fidèles producteurs (Yung Sherman, Yung Gud et White Armor ici). Les beats des Sad Boys sont moins sombres et multicouches que dans son précédent effort, et collent plutôt bien au virage pop et à la personnalité de Lean. Les drums, réduites à leur stricte minimum, jouent intelligemment avec le vide et les espaces autour de mélodies composées à une main pour quelques petites douceurs corny où le principe du "less is more" fonctionne bien (Muddy Sea, Silver Arrows), mais finit malheureusement par tourner en rond sur l'ensemble du projet.

Live my life in slow-mo
Happy when I'm solo (Drop It / Scooter)

Au micro, Yung Lean enfile son costume de loup pour partir à l'aventure là où « les choses sauvages se trouvent » et nous raconter la fuite et les errances d'un enfant indiscipliné dans son imaginaire. S'il n'a pas tué ses monstres comme nous pouvions l'espérer, le rappeur apprend à vivre en harmonie avec eux. Il est plaisant de le voir se réfugier dans un univers de contes sombres pour prendre un peu de distance avec la vie réelle par la puissance de l'imaginaire, sans drogue, même s'il se remémore toutefois ces rivières de percocet qu'il aimait remonter comme un saumon il n'y a pas si longtemps. Il se dégage alors de l'album une volonté claire de proposer un visage enfantin, une légèreté, notamment à travers de nombreuses parties chantonnées, malheureusement souvent approximatives, qu'on se le dise. Yung Lean prouve alors qu'il est bien meilleur quand il reste sur terre plutôt que lorsqu'il s'aventure dans les hauteurs de l'autotune. Pire, on a parfois l'impression d'écouter un Matt Ox de 25 ans incapable de s'impliquer réellement dans ce qu'il entreprend. Par exemple, sur Hurting My Own Skin, le rappeur livre un très beau texte confessionnel et sincère, mais servi sans aucune consistance, de son beat générique à son interprétation endormie. Une catharsis molle livrée à la manière d'un Édouard Balladur du cloud rap.

A contrario, se démarquent alors les morceaux les plus aventureux et expérimentaux, ceux qui laissent enfin un goût de terre dans la bouche, dont Snakskins Interlude, Metallic Intuition ou Agony, accompagné d'un simple piano et porté par des chœurs enfantins. Au final, Stranger donne le sentiment d'un projet inachevé. Si le rappeur a des choses à dire - I lived a thousand lives, but I'm still searching where they at rappe-t-il sur Red Bottom Sky - les histoires qu'il nous conte manquent cruellement de corps et de vice dans leur interprétation. Croisons les doigts pour qu'un jour, Keren Ann nous le pervertisse à la lueur de la pleine Lune avec, à l'horizon, la fin de l'enfance du jeune Lean.

Yung Lean's Second Chance

2016-06-27T07:57:01Z

Yung Lean approached American rap as an outsider, became infamous, and then tragedy struck. A year later, he has the chance to do better.

Yung Lean was in a mental hospital around this time last year.
It was Mount Sinai in Miami Beach, the city where he'd been recording demos and rough drafts for his third full-length project, Warlord. He was 18, and, though usually based in Stockholm, had spent two months in the city, working for the first time in a professional studio. It was called the Pink House, and it was in a pink house, down by the ocean with a pool out back.
Lean had ended up in Miami after a stateside tour that his 27-year-old U.S. manager, Barron Machat, had helped arrange. Barron was a beloved and respected figure in the North American experimental music scene. Known for his belief in the crossover potential of thought-provoking acts, he and his label Hippos in Tanks were said to have “ushered avant-garde music into the 21st century.” Though he didn't release any of Lean's records, he helped Lean start a label of his own, Sky Team. In Miami, Barron had an apartment where Lean could crash, and connections : his father, Steven Machat, is an entertainment lawyer whose clients have included Ozzy Osbourne and Bobby Brown. He is currently running for the U.S. Senate.
A number of fellow Swedes accompanied Lean on the trip. There was Yung Sherman, then 20, one of his longtime producers and the sonic architect of Warlord, and Bladee, 21, a frequent collaborator who sings background vocals at Lean's live shows. And there was Emilio Fagone, Lean's 29-year-old primary manager, who's been working with him since he was 16.
After the recording sessions wrapped in Miami, Sherman and Emilio flew back to Sweden. But Lean and Bladee stayed behind, with plans to play some shows then head up to New York. “I remember I felt like, Why is he going to stay ?” Sherman says now. “Why isn't he just going home ? We've been away for so long, what is he going to do here now ? It seems unnecessary for him to stay.”
Lean's stage name comes from his given name, Jonatan Aron Leandoer Håstad, but also from lean — codeine syrup. By his own account, in Miami he was heavily addicted, not just to lean, but to Xanax, marijuana, and cocaine, and combining the drugs daily to troubling effect. Lean found himself slipping into characters that were hard to shake. He started dressing like a nurse, in hospital scrubs. He began to carry a knife. Most nights the drugs kept him up, so he'd sit out on a balcony, writing a book in his iPhone called Heaven that retold childhood nightmares about people turning into rats — the animal sign of his Chinese Zodiac. Lean showed the book to Barron, and Barron told him it was too dark, that he shouldn't be writing it.

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